Viva le Cinema!

Esce il 4 gennaio 2008 il film d’animazione e live action, made in Germania, Hui Buh da noi ribattezzato subito Uibu Fantasmino fifone diretto da Sebastian Niemann con Michael Herbig, Christoph Maria Herbst, Heike Makatsch, Ellenie Salvo González, Nick Brimble, Hans Clarin, Rick Kavanian, Martin Kurz, Christoph Hagen Dittmann.

Baldovino-Hui Buh imbroglia durante una partita a carte e viene condannato a vivere nel suo castello come fantasma. Hui Buh però non è un fantasma che faccia proprio paura, anzi. Se lo chiamano ‘Fantasmino Fifone’ ci sarà un motivo. Ecco che un giorno il maniero viene acquistato da Re Julius e…

Il sito del film è in tedesco e presenta già il dvd, per questo vi mostriamo il trailer originale dopo il salto.

Visto il successo della vostra rubrica Il CercaFilm ho deciso di chiedervi aiuto riguardo due film.

Il primo lo cerco da anni oramai ma senza successo. Lo vidi in seconda o terza serata quando ero piccolo quindi ho un vago ricordo. I protagonisti sono due ragazzini in un futuro in cui le persono vivono sottoterra perché in superficie è invivibile (mi pare che si parlasse di un qualche qualche virus per scoraggiare le persone a risalire).

I due ragazzi salgono in superficie e scoprono un mondo fatto di macerie, pare (se non ricordo male) che ci sia stata una qualche guerra nucleare in passato. In ogni caso la cosa che forse può essere utile per identificare il film è che alla fine si vede un vecchio che racconta la storia dei due protagonisti ai nipotini, facendo intendere che siano dei fatti avvenuti in un passato oramai remoto.

Anche il secondo l’ho visto un sacco di anni fa a tarda notte ed è più facile da identificare. Si tratta di un vecchio kung-fu movie dove i protagonisti sono due tizi. Per qualche motivo uno perde le braccia e l’altro perde le gambe. I due iniziano a vagare finchè non si incontrano e decidono di unire le proprie forze per vendicarsi (forse) di chi ha causato la loro mutilazione; così iniziano un viaggio assieme e combattono orde di nemici uno sulle spalle dell’altro come a formare una persona sola…

Sapreste aiutarmi?
Grazie.
Umberto da Torino.

Aparte de que cada vez nos pensamos más el ir al cine, por las otras alternativas que tenemos, conviene no olvidar el componente social que suponía ir a una sala con tus amigos. Según van pasando los años y nos vamos haciendo más mayores, el ir al cine va dejando de lado el componente social y nos volvemos más independientes. Con la independencia se evitan los problemas de decidir qué película ver, y no sólo eso, supone no tener que ver un film que le encanta mucho a uno de tus amigos, con un punto cinéfilo diferente al tuyo, y que a uno le apetece poco o nada.

En USA se ha lanzado una página, I Want To See That, que aúna los dos problemas que comentaba antes, y que reincide en el componente social de ir a una sala a ver una película. En este caso, lo único que tenemos que hacer es registrarnos en la web, decidir qué queremos ver y preparar un mensaje con una lista de los amigos a los que querríamos invitar para esta velada.

La idea es curiosa para USA, pero no sé si es viable para España. Aquí, como mucho, los amigos quedamos para cenar y tomar unas copitas en casa, si se hace vía mail, que es lo que defiende I Want To See That, pues vale tanto como por teléfono.

La otra curiosidad la tenemos en la sección que los creadores han denominado podcast, y donde suelen preparar en un vídeo sus impresiones sobre los estrenos de cada semana. Hasta ahí es interesante la propuesta.

El problema es que reconocen, dado que no se tiene el suficiente tiempo para ver todas las películas (no conocen a varios de los editores de este blog), en términos de una persona normal, y ellos lo son, no haber visto la gran mayoría de las películas sobre las que opinan o critican. Lo que pasa es, que como lo hacen con un buen desparpajo, se les escucha lo que comentan. Aunque es una opinión vacía, la verdad.

No obstante, me parece curioso lo que tratan de plantear con esta web. Tiempos lejanos en el que uno quedaba con los amigos para ir al cine (“hasta que la noche me confundió”, que diría Dinio).

Más información | I Want To See That Tour

Con una película como ‘El atardecer’ (‘Evening’) no sería necesario ni escribir una crítica, sólo con decir las actrices que aparecen en ella, seguro que mueve a una gran parte del público a la taquilla. Aquí va la retahíla por orden alfabético: Glenn Close, Toni Collette, Claire Danes, Vanessa Redgrave, Natasha Richardson y Meryl Streep. Además de ellas, están Patrick Wilson, Huhg Dancy, Mamie Gummer y Eillen Atkins.

Se trata de uno de esos films grandiosos en los que, además del espectacular y oscarizable reparto, todo se mueve en mansiones de lujo y lugares idílicos, la fotografía es bonita y los sentimientos que experimentan los personajes son intensos y convierten cada momento en el más crucial de sus vidas. Es uno de esos dramas norteamericanos que casi siempre aparentan ser cine de una calidad mayor que la que realmente poseen. Una de esas películas con tanta fachada que parece difícil penetrar en ellos y más aún despiezarlos o criticarlos. Deslumbrante, podría ser la palabra, pero no por lo brillante, sino por el efecto cegador de su aparato estético.

‘El atardecer’ está basada en la novela de Susan Minot, que ella misma ha adaptado para la gran pantalla con el ganador del Pulitzer, Michael Cunningham (‘Las horas’). La dirección corre a cargo de Lajos Koltai (‘Sin destino’). Como en ‘Los puentes de Madison’ —película que tengo comprobado que, a pesar de su apariencia, gusta mucho más a los hombres que a las mujeres—, unas hijas descubren que su madre tenía un amor del pasado que ellas desconocían. En su lecho de muerte, Ann (Vanessa Redgrave) recuerda a una persona a la que sus hijos no conocen: Harris. Vemos entonces a Ann de joven (Claire Danes) acudir a la boda de su mejor amiga, Lila (Mamie Gummer) y enamorarse de Harris, un hombre al quien también ama, aunque de forma no correspondida, la futura esposa.

Con ello, la película trata de explorar la idea de las oportunidades perdidas, los errores vitales y la renuncia a la felicidad. Estos conceptos son interesantes, aunque la forma en la que se abordan, además de ser excesivamente obvia, no es todo lo profunda que podría ser. Ya que tenemos a varias mujeres que se preguntan si han tomado las decisiones correctas en su vida —pues la hija pequeña de Ann (Toni Collette) también tiene dudas—, se podría haber hecho que alguna de ellas sí hubiese luchado por lo que amaba, incluso aunque hubiese tenido que renunciar en última instancia. Pero al ver que nadie se esfuerza por lograr su objetivo, el que no lo alcancen no se puede comprender como un fracaso.

Aparte de esto, el mensaje final de la película es tremendamente conservador, ya que se concluye que no hay por qué perseguir la felicidad, sino conformarse, o que para una mujer tener hijos debería ser lo más satisfactorio de su vida. Esta idea queda más que sentenciada en la frase “no existen los errores”, que se enuncia más de una vez. La decisión del personaje de Collette también recalca esta moraleja.

Lo narrado a través de flashbacks se limita a dos o tres días y lo que ocurre en el tiempo presente es igual de breve. Para que comprendiésemos mejor el arrepentimiento por el que pasa Ann, tendríamos que ver otros momentos de su juventud. Contemplamos el momento en el que conoce a Harris, se enamora de él, pero no vemos cuándo lo deja. Eso sí, sabemos que lo deja desde el principio, pues sus hijas no lo conocen. Aunque la película se quiere centrar en esa equivocación, lo que vemos en el recuerdo no es esa decisión, sino algo muy anterior. Y quien realmente es protagonista de estos flashbacks, mucho más que Harris, es Buddy, el hermano de la joven que se va a casar. Quizá el motivo por el que no se transmite bien la sensación que se quiere dar sea que lo que se cuenta del pasado se centra más en Buddy, con el que Ann tiene una especial amistad, que en Harris. El arrepentimiento de Ann tendría que referirse a la figura de Buddy. Y, a pesar de todo lo que ocurrió aquellos días, la Ann del presente no siente ningún remordimiento sobre ese aspecto.

Sin ser el protagonista que ‘El atardecer’ quiere tener, Buddy, es el elemento más interesante de todo el film. Su personaje sostiene la película y gracias a él tenemos suficientes momentos de buen cine, profundización psicológica y conflicto, como para que ver ‘Evening’ no sea una pérdida de tiempo completa. El actor que le da vida, Hugh Dancy (en la foto de más arriba), hace un trabajo excelente, quizá gracias a que sobre guión es el único que tiene un personaje con aristas, con debilidades, pero que dice la verdad cuando es necesario y que trata de encontrar esa felicidad a la que todos han renunciado ya desde tan pronto.

Sin embargo, no es intención de los autores que Buddy sea el protagonista. Sus personajes principales son las mujeres, pero ellas carecen de personalidades bien definidas y consiguen una empatía muy escasa. Las actrices están muy correctas en sus papeles, siendo Claire Danes la que más destaca, pero desde guión sus formas de ser no quedan nada claras.

Harris, personaje del que se enamoran todos los seres vivientes que hay por la película, está interpretado por Patrick Wilson (en la fotografía de la izquierda). Esto puede ser únicamente mi apreciación, pero me da la sensación de que es un error de cásting, pues no es ni mucho menos, un hombre del que todo el mundo se pueda enamorar a simple vista. Sin ser tampoco feo, carece de encanto, de carisma, tiene tanto aspecto de estirado como el marido con el que Lila se casa por despecho. Así que, esta deficiencia en el reparto hace que sea muy difícil comprender la forma de actuar de las protagonistas. Claro que no sólo el actor es anodino, como personaje tampoco tiene el más mínimo matiz que lo convierta en interesante.

Resumiendo: ‘El atardecer’ es una película que deslumbrará por su elenco y su elegante realización, pero a la que en seguida se le pueden encontrar fallos si se profundiza un poco. Con un protagonismo equivocado, el guión se empeña en dar una conclusión que ni siquiera ha sabido plantear y que tiene que introducirla con frases obvias.

Me gusta demasiado el cine como para ir al cine últimamente

Esto lo decía un lector a propósito del hecho de que haya directores o gente de la industria (los pobres y sin medios para dar a conocer sus obras), que vean cosas positivas a la hora de descargar películas. Y pensando en la frase, tal y como está el mundo del cine ahora, en el que se nos vende un mensaje y un producto, donde lo que menos importante es la película, ir al cine ya no es lo que era.

En blogdecine | El P2P ni es piratería ni es tan malo

Aunque sí, posiblemente sólo para fans de estos tipejos y del humor referencial e ingenioso del que hacen despliegue a lo largo de todo el metraje. Mejor incluso que la anterior de Edgar Wright, ‘Zombies Party’ (‘Shaun of the Dead’), o simplemente igual de buena, pero cambiando los muertos vivientes por los policías. ‘Arma fatal’ (‘Hot Fuzz’) es una película tan divertida que no tiene un solo momento de desperdicio. Después de una larga espera, el 5 de diciembre, por fin estará en nuestras pantallas.

Nick Angel (Simon Pegg) es un agente de policía de Londres que es ascendido a sargento y, al mismo tiempo, descendido al pueblo de Sanford porque en la capital trabaja tan diligentemente que hace quedar mal a sus compañeros y superiores. En el campo se encontrará con los más altos niveles de incompetencia policial que se pueda imaginar en la figura de Frank Butterman (Jim Broadbent) y su hijo Danny (Nick Frost) que, a pesar de todo, se convertirá en su mejor amigo. Pero el pueblecito que aparenta ser todo armonía y que gana año tras año el premio a la localidad más encantadora, esconde muchos secretos.

‘Arma fatal’ es una película larga, pero en la que todos los minutos, todos los fotogramas son necesarios. Y no sólo eso, todos se disfrutan. Durante la primera parte, el guión está preparando una enorme cantidad de detalles que servirán para algo al final. Aunque esta parte de preparación no tenga tanta acción como la que viene después, contiene algunos de los momentos más hilarantes.

En esta primera parte, además, tenemos como aliciente el desfile de rostros de las mejores comedias televisivas británicas y de algunos de los films más recientes. Y sólo con verles la cara a la mayoría de ellos — especialmente a Pegg — ya te ríes. En la escena en la que le comunican a Angel que tendrá que marcharse al campo comenzamos con Martin Freeman, que hacía de Arthur Dent en ‘La guía del autoestopista galáctico’. Cuando tiene que venir una autoridad mayor, aparece el protagonista de ‘Tristram Shandy’, Steve Coogan, y lo rematan cuando llaman al gran jefe y éste es ni más ni menos que Bill Nighy (‘Love Actually’, por mencionar una).

Una vez en el pueblo, el personaje de Simon Pegg se encuentra con el de Nick Frost que, en la vida real también es su mejor amigo, como lo es en la serie ‘Spaced’, una divertidísima caricatura del friquismo y la falta de madurez protagonizada por Pegg en la piel de un dibujante de cómics. En ella, Frost hace un papel similar al de la película: obsesionado con las armas y las películas de acción, Mike siempre quiere montar gresca. El siguiente que aparece es Bill Bailey, especialista en poner caretos en ‘Black Books’, una comedia demencial creada por otro de sus protagonistas, Dylan Moran. Entre los compañeros de trabajo, Pegg tendrá a Paddy Considine (‘Bosque de sombras’). Y así podría continuar…

Podría parecer que sólo conociendo estas series uno se puede reír de la película. Pero no es así, esto sólo es un aliciente más. Los chistes por sí solos (no referenciales) también existen. Eso sí, no recomendaría a nadie verla doblada. No sé si el doblaje será bueno o malo, quizá es fantástico; pero el caso es que se trata de un film que se disfruta mucho más en versión original y los subtítulos de la distribuidora son impecables (no así la traducción del título de la película). Esto no es un comentario externo, viene a cuento porque iba a decir que otro de los elementos humorísticos es el apellido de los habitantes del pueblo y de los compañeros de comisaría con los que en encuentra Angel. Todos hacen referencia a alguna actividad o forma de comportamiento.

Se podría decir que el guión de ‘Arma fatal’ es simple, pero eso sería una apreciación que se quedaría muy en la superficie. Es cierto que el móvil que se busca es de lo más ridículo, pero esto está introducido así a propósito para aumentar el humor. Si se observa bien el guión, se puede comprobar que es uno de los más elaborados que se han visto en años. Todo lo que se presenta encaja de alguna forma en lo que viene a continuación y todo está calculado al milímetro. Ni siquiera las referencias de films de acción como ‘Dos policías rebeldes’ o ‘Le llaman Bodhi’ son gratuitas o sirven sólo para crear humor metalingüístico, sino que tendrán su recompensa.

Además de tener un guión tan divertido, ‘Hot Fuzz’ disfruta de un trepidante montaje hecho con absoluta maestría. Tanto la escena de inicio, como la del protagonista tomando el tren o la apertura y cierre de la comisaría son lecciones de ritmo desmesurado que da gusto verlas y que se podrían contemplar incluso extraídas como piezas sueltas por el puro lucimiento visual que suponen. El final de la película despliega tanta acción como las cintas a las que hace homenaje. Sin tanta inversión como los films americanos, las escenas están muy bien rodadas y resueltas de forma muy competente. Por lo tanto, aunque en realidad esto es lo menor del film, ‘Arma fatal’ también se puede disfrutar como una película de acción más. Pero os equivocaríais si fueseis a ver eso únicamente, lo principal en ella es la comedia.

No sé si necesito recalcar lo dicho, pero por si acaso, trataré de resumir: un film divertidísimo con un humor muy especial dirigido principalmente a amantes del cine y a seguidores el trabajo de Simon Pegg y Edgar Wright. Mira que he insistido en lo graciosa que es y sigo con la sensación de que me he quedado corta. Posiblemente, la película más divertida del año.

En Blogdecine | Trailers, pósters e información sobre ‘Hot Fuzz’.

E’ uscito da qualche giorno il dvd de I Pirati dei Caraibi 3 Ai Confini del Mondo, diretto da Gore Verbinski con (e che ve lo diciamo a fare?) Johnny Depp, Geoffrey Rush, Orlando Bloom, Keira Knightley, Bill Nighy e Jonathan Pryce.

Il film è disponibile in dvd singolo, in edizione speciale a due dischi ed in Blu-Ray Disk. La novità che accompagna i dvd è la promozione speciale della Disney che ha identificato un luogo nell’Oceano Pacifico denominato come ‘la fine del mondo’ e l’ha subito adottato per celebrare il lancio della terza saga di Jack Sparrow.

Si chiama Kiribati, comprende 33 isolette, ed è stata classificata come ‘il luogo più remoto del globo terrestre’.

L’esploratore Tom Avery ha infatti spiegato:

“La Disney mi ha contattato per localizzare il posto più lontano sul pianeta. Ho identificato diversi luoghi ma secondo me le isole di Kiribati nel Pacifico sono veramente alla fine del mondo. Kiribati è il primo paese al mondo che vede il sole sorgere.

Interessati agli extra del dvd? Eccoli:
Durata: 161
Formato Video: 2.35:1 16/9 Widescreen
Formato Audio: Dolby Digital 5.1
Extra:
Keith & il Capitano: sul set con Johnny e la leggenda del rock
Errori dei Caraibi
Scene eliminate con il commento del regista Gore Verbinski
Il racconto dei tanti Jack
Anatomia di una scena: il Maelstrom
Padroni del Design - Creando il mondo dei Pirati
Il mondo di Chow Yun Fat
Il Consiglio della Fratellanza
Il Maestro Pirata: la musica di Hans Zimmer
Hoist The Colours: la storia dietro la musica
Sottotitoli in inglese per non udenti

Fonte Notizia Kiribati: WindPress

Naomi Kawase es una directora japonesa que, más allá de las fronteras de su país, sólo ha conseguido cierta repercusión en Francia. Concretamente, en el festival de Cannes, donde logró la Cámara de Oro en 1997 por ‘Moe no suzaku’, estuvo nominada a la Palma de Oro por ‘Sharasojyu¡, y, recientemente, ha obtenido el Gran Premio del Jurado por ‘El bosque de luto’ (‘Mogari no mori’), la película que ahora nos ocupa y que se estrena el 5 de diciembre.

La directora proviene del documental, y ése es un enfoque que se nota en toda su filmografía, desde decisiones más evidentes como contar con operadores de cámara que también provienen del documental y el empleo de actores no profesionales, hasta otras mucho más sutiles que tienen que ver con la puesta en escena o el fuera de campo.

‘El bosque de luto’ es una espléndida forma de adentrarse en el más que interesante cine de Naomi Kawase. La película nos narra, con toda la parsimonia que eso requiere, la historia de Machiko, una joven enfermera en un asilo, y la de Shigeki, uno de los ancianos que allí son atendidos. Ambos personajes viven sumidos en una profunda tristeza por la pérdida de un ser querido: su hijo, en el caso de Machiko, y su mujer en el caso de Shigeki.

En vez de cargar las tintas dramáticas, Naomi Kawase apuesta por la sutileza y la sobriedad: la angustia de estos dos personajes es muy contenida y se manifiesta de forma ejemplar en la frase que Shigeki le hace al monje budista que visita al asilo: “¿Cómo sé si estoy vivo?”. El monje le responde con una doble pregunta: para saber si estás vivo hay que saber dos cosas. La primera, y muy fácil, es si comes arroz y condimentos. La segunda, más difícil, es saber si experimentas sensaciones.

A partir de ahí, el destino de Machiko quedará unido al de Shigeki: un día, durante un viaje en coche, el anciano escapará hacia el bosque en busca de la tumba de su mujer, y Machiko lo perseguirá. Comienza un viaje de dos días en el que los personajes tendrán que sentir, que recuperar sus vidas anuladas por el dolor.

La sutileza con la que Kawase filma su relación es magnífica: todo son actos cotidianos que esconden un poderoso subtexto. Todo son elegantes metáforas, como la del río que se desborda mientras el anciano intenta cruzarlo. Machiko le implora, llorando, que no cruce, que el peligro es muy grande. Una vez Shikegi desiste, abraza a una desconsolada Machiko mientras le dice “el río nunca volverá a su fuente”. Una metáfora tan sencilla como eficaz sobre la aceptación de la muerte.

El estilo visual de Kawase es, asimismo, muy acertado. Una peculiaridad de esta directora es su trabajo con el fuera de campo: todos los sonidos comienzan antes de que podamos descifrar cuál es su fuente; los personajes reaccionan ante cosas que no hemos visto. Es la cámara en mano, con su inquietud de documental (aunque para nada mareante) la que nos va descubriendo la realidad que nos rodea. Y me parece la mejor opción para una película que nos quiere contar el redescubrir la vida, y que alcanza la excelencia en su emotiva – e igualmente sutil – escena final.

Si Imamura, en ‘La balada de Narayama’, nos contaba el estoico peregrinar de unas gentes hacia el aceptar su propia muerte, Naomi Kawase, en ‘El bosque de luto’ nos cuenta el peregrinaje hacia volver a descubrir la vida. Una sobria, elegante y emotiva película que incluso dentro de sus lentitud transmite tantas sensaciones que merece la pena.

En Blogdecine | Tráiler y póster de ‘El bosque de luto’, Gran Premio del Jurado en Cannes.

Este es el póster patrio de la nueva película de Ang Lee, director multifacético donde los haya, como lo demuestra el haber dirigido films tan distintos entre sí como ‘Tigre & Dragón’, ‘La Tormenta de Hielo’, ‘Hulk’ o ‘Brokeback Mountain’. Ahora regresa con otra historia de amor en ‘Deseo, Peligro’, ambientada en la Segunda Guerra Mundial, cuando a una actriz de teatro se le pide realizar un papel mucho más peligroso, para así intentar liquidar a cierto colaboracionista de los japoneses.

‘Deseo, Peligro’ se estrena el próximo 14 de Diciembre entre nosotros, y aquí un servidor tiene muchas ganas de verla, ya sea porque Ang Lee siempre me gustó, o porque gracias a Juan Luis ya no puedo vivir sin el cine oriental. En el reparto del film nos encontramos con el casi siempre magnífico Tony Leung, Wei Tang y Joan Chen. ¿Habrá nuevas nominaciones?

Vía | Impawards

Quarto resoconto dal Torino Film Festival. Quando t’innamori per la prima volta, quando provi un’attrazione forte, dentro di te è come se nascesse una piovra, che con i suoi tentacoli si attorciglia dentro di te. Così Céline Sciamma, la regista ventisettenne del bellissimo Naissance des pieuvres (da noi La nascita delle piovre), spiega il significato del titolo del suo film, incentrato sulla figura di tre adolescenti alle prese con i primi sentimenti.

E’ un esordio che lascia a bocca aperta: per la capacità di analizzare i temi, per pulizia, per sicurezza. E chissenefrega se l’amore che nasce fra le due protagoniste è omosessuale: la capacità della regista è quella di spiegare l’amore dal punto di vista femminile, indifferentemente dal fatto che sia rivolto verso una persona dello stesso sesso.

Poi la storia della terza ragazza, la simpatica cicciotta amica della protagonista, è più spolpata e banale, e la sua è una figura che spesso resta macchiettistica. Ma è un dettaglio di poco conto, perchè la trama principale non dà tregua e non fa mai calare l’attenzione dello spettatore. Grande padronanza dei mezzi, con un uso di colori e musiche da far invidia a registi navigati. E, soprattutto, colpo di fulmine immediato per Adele Haenel: bellissima e incredibilmente superba.

Si è poi visto in anteprima il nuovo film del regista orientale più venduto ad Hollywood, quel Wayne Wang che tanto sembrava perso tra amori a cinque stelle e amici a quattro zampe. Va bene, il suo A Thousand Years of Good Prayers (girato quasi in conteporanea con The Princess of Nebraska, che si vedrà a Torino in questi ultimi giorni) rivela un autore ancora non finito, ma l’amaro in bocca resta.

Perché far durare il film un’ottantina scarsa di minuti e fare una serie di rivelazioni in cinque? Perché Wang non ha il coraggio di lasciare alcune cose non dette, e sembra avere la furia di dover dire tutto, di dover colmare qualsiasi dubbio -se ce n’è- nello spettatore? Il film presenta le tematiche tanto care al regista de Il circolo della fortuna e della felicità, in primis quella della tradizione che si scontra con la modernità, delle generazioni, e dell’America in contrasto con la Cina.

Una storia di padri e figli, ancora, per un film che ha un certo stile e non presenta pecche nè dal punto di vista dei dialoghi nè dal punto di vista registico (per fortuna Wang non ha dimenticato il mestiere…). Adatte le prove di Henry O e Faye Yu (a proposito: non si sono viste ancora attrici orientali brutte; dove sono!?), soprattutto il primo, che si offre con gentilezza anche in scene ironiche. Peccato davvero per il velocissimo finale.

In concorso come Naissance des pieuvres troviamo poi l’irlandese Garage di Lenny Abrahamson, un piccolo film che nel suo si fa rispettare. Abbiamo un altro personaggio assurdo, al limite dell’alienato, come tanti se ne sono visti in questa edizione del festival, che lavora in una pompa di benzina: ligio al lavoro, Josie obbedisce senza opporre resistenza al suo capo, un ex-compagno di scuola che, secondo lui, l’avrebbe aiutato proprio dandogli il lavoro.

Quando il capo decide di tenere aperto il servizio anche durante il week-end, Josie si vede affiancare David, un quindicenne che lo aiuterà proprio in quei pochi giorni della settimana. Dopo il gelo iniziale da parte del ragazzino, i due diventano amici e la situazione si fa più semplice. Finché, per colpa dell’ingenuità di Josie, la situazione si ribalta in modo inaspettato e crudele. Il film ha ritmo, ha ironia, ma ha anche una sincera visione disillusa e cattiva della vita: ciò che capita a Josie, accusato “ingiustamente” di qualcosa che in effetti ha commesso, sarebbe piaciuto tanto a Von Trier.

Magnifico Pat Shortt, un Josie che cerca di relazionarsi come può col mondo, di combattere la sua timidezza, di non sentirsi fuori luogo, di accettare anche gli insulti più gratuiti e cattivi. Come altri film piccoli presentati a Torino, anche Garage aiuta lo spettatore a disintossicarsi con facilità dalle mega-produzioni, dai prodotti inflazionati e surgelati e da nomi fin troppo pompati da pubblicità e riviste.

E passiamo ad un vero film culto di questa edizione: Viva di Anna Biller. Che non sfigurerebbe in un Grindhouse 2, se fosse incentrato non più sull’horror ma sui temi della sexploitation. La Biller, che ha all’attivo qualche corto e mediometraggio, esordisce con una parodia-omaggio ai soft-porno che tanto andavano di moda fra i patiti negli indimenticabili anni ‘70.

L’operazione, dal punto di vista tecnico, si avvicina più a quello di Planet Terror di Rodriguez che a Death Proof di Tarantino (il vero film teorico dell’anno): ricostruisce passo per passo un vero film della sexploitaion, dalla fotografia iper-colorata alle ambientazioni, dai dialoghi scritti a volte volutamente in modo pessimo ad alcune battute memorabili. Ma, attenzione, lavora moltissimo anche sulla recitazione: che è orgogliosamente invedibile. Come se gli attori aspettassero, mentre sono ripresi, un suggerimento, un gobbo che è stato perso, e la macchina da presa non possa fermarsi per mancanza di pellicola.

La Biller, nonostante le due ore potessero essere qua e là davvero accorciate, ha il coraggio di saper dire la sua su temi importantissimi (la femminilità e il femminismo -che non sono la stessa cosa-, la rivoluzione sessuale e la presunta voglia dell’uomo di dominare la donna) in modo brillante e originale. Dal punto di vista tecnico non si può dire nulla. Il resto lo deciderà il pubblico, se mai il film si vedrà in sala (sè, figurati) o in dvd. Fatto sta che siamo davanti ad un oggetto strano, forse non per tutti: e questo è un pregio.